中国艺术的一条原则，向我们说明了灵魂的共鸣，活力的振动和生命的运动。 “一个雕塑艺术家应该将所有值得鼓励的事情反映在他的作品中并赋予其生命。这就要求能应用美和诗歌价值的形式和色彩。灵魂的共鸣是一种生命的灵感的流动，它以不同的程度影响着每件事物，栩栩如生的或是死气沉沉的。如果这个雕塑公司能够做到让你、他或她在其艺术中都能捕捉到这一点，那么这件作品才是成功的。”

雕塑，由表现的需要，由精神和物质构成，成为众多艺术形式中的女神。它包含深刻人类感受的情感是作者一种爱的陈述：对创作的爱，对素材的爱，对职业的爱，对自然的爱和对人类的爱。

雕刻的过程，需要除物质和工具外更多的东西，需要对灵感和情绪瞬间的把握。雕塑家热爱土地和属于土地的所有原料。他热爱自然界的所有表现形式，并把这些作为所有艺术的老师。雕塑家需要感觉物质的可靠性，这种对成分的感觉性构成了他特有的敏感和视觉角度。热爱作品并重新解释要表达的内容，就是他们要完成的任务。

包括生命，照射能量和它通过美的形式影响的其它能量体系在内的所有的一切，都可以在能量场中被发现。能够使观察者中产生一种情感，那就是艺术作品。要达到尽善尽美的效果，通常不仅仅是单一的努力所能达到的，而是所有古代伟大的工匠和他们遗留下来的作品集合起来的结果。

雕塑所必须的不是细节的繁复，而是它的透明度和精确度。一件雕刻作品在概念意义上的结构不是任意的，不单纯是外形轮廓和体积的形式的展现。不可缺少的是作者通过作品所要传达的准确的思想，也就是说作品要有生命力。因此，一件具有真实、生动、有生命力的印象。那么，这种对生命的感动产生的结果是什么呢?结果就是运动。

运动被表现在造型当中，它可以指引给观察者一条从直线到某一特定运动的道路。运动在释放出作品所要表达的效果之前不应被中断。无论是一件希腊雕塑的大理石表面的褶皱，或是一件巴洛克时期建筑表面的螺旋状涡形花样，还是米盖尔.安吉洛雕像的扭转，都向我们展示了运动的价值。艺术家们对这种性质更有着举足轻重的作用。如果一件作品没能体现思想和形体的运动，那么它就毫无生命力而言，达.芬奇向我们证实了这一点。

一件好的雕塑作品，它的形体是生动的，而一件不好的雕塑作品，它的形体是呆板的、僵硬的。雕塑的基础的位置倾斜预示着一种潜在的运动，因为它同时决定了其余支架的位置。也就是说，校准平面的垂直与水平支架。采用这种变形的方式作为动机之一是为了获得三维效果。这种运动被转化为一种生命的原动力。

所有的雕塑作品都应该表达某种东西。作品的内容应该超出构成它的物质材料的表现形式。运动与感觉之间的关系反映自然的本质。这种表现出来的本质成为艺术家们传达信息的方式。

既然雕刻的艺术体现了思想和可感知形式之间的关系，我们在第一个分阶段就将其称之为象征主义，因为至今它仍没有达到理

想的艺术境界的最终的平衡。只有当雕刻艺术在理想与表现手法上达到完美的和谐的统一，我们才能称之为一流。浪漫主义是思想的无限性与人类灵魂深处最隐秘的脆弱的空间一场辨论。它们随着时光的流逝而产生。不同的作品反映了人类自从在地球上出现以来所经历的一切变化。在当前的这种艺术的商业全球化的迷失当中，我们是否有必要了解：艺术应该传播价值还是贬值?所有与这方面有关的假设都没有重新建立。

由于可以在全球化的跨文化叉中自由选择的个人主义而导致了一些相同作品的产一，很多作品看起来都彼此相似。对于每个城市的具有本土内格的艺术表现手法，我们应对他们的区别和独立给予尊重，但现在却被那些所谓的前卫设计所取代。这无疑不能反映当前人们在先进的科学技术和机器人技术面前变得越来越没有判断力。是不是我们已经丢失了理想，丢失了对旧越事物的想象力，丢失了原本伟大的人类的价值?一个所谓的第三世界的雕塑家向我们提出了这些问题。

正因为如此，雕塑公司做到一个城市的公众的雕塑作品应无处不体现出对人们的热爱。在公园里，在森林里，在花园中，这些摆放地应成为欢乐的海洋，在那里只有善良和美丽。一件雕塑作品，它的风格应当是：富有寓意的，抽象的，概念上的，等等，至少它的形式应当具有高度的审美感或是体现民族特有的价值。